Lors de la Fashion Week parisienne du mois dernier, la directrice artistique de Dior, Maria Grazia Chiuri, a réinterprété avec chic les codes des années 50 de la maison. La scénographie, cependant, a puisé dans une autre dimension entièrement grâce à la vision créative de l’artiste portugaise Joana Vasconcelos. Vasconcelos a installé une sculpture hallucinatoire ressemblant à une stalactite qui a servi de toile de fond indéniablement explosive pour la collection Automne 2023.
Ornementales, globuleuses et géantes, Valkyrie Miss Dior s’élevait à 23 pieds de haut et environ 78 pieds de long, imprégnant l’espace temporaire du Jardin des Tuileries. Était-ce un paysage extraterrestre ou l’intérieur d’un organisme d’un autre monde ? Peut-être une bête d’art et d’artisanat pan-nationale? L’interprétation dépendait du spectateur. Mais une chose était sûre : Vasconcelos a battu haut la main tous les autres prétendants au « set de la saison ».
Sculpture immersive et défilé de mode de Joana Vasconcelos. Photo : Adrien Dirand.
La pièce suspendue était composée de câbles en acier, de crochet, de lumières LED, de ventilateurs, de structures gonflables et de tissus dans 20 motifs floraux Dior différents. vasconcelos est encline à surdimensionner son travail.
« Je ne fais pas d’échelle pour l’échelle, dit l’artiste, mais pour faire passer un message à travers un objet choisi. Mon travail est très basé sur la décontextualisation des objets du quotidien. L’échelle monumentale est généralement considérée comme un territoire masculin et il y a des barrières à briser.
Le paysage extraterrestre ornemental de Joana Vasconcelos pour Dior. Photo : Adrien Dirand.
Valkyrie Miss Dior rejoint un panthéon de plus de 30 des imposantes déesses guerrières que Vasconcelos a créées pour des installations aussi lointaines que Macao à Bilbao (où elle a eu une rétrospective en 2018 “Je suis ton miroir» au Guggenheim). “Ils ont tous des thèmes différents, honorant les femmes qui ont fait une différence dans le monde”, explique Vasconcelos, “tout comme les figures féminines de la mythologie nordique soulèveraient les braves guerriers tués sur le champ de bataille, les amenant à rejoindre les divinités de Valhalla.” Valkyrie Miss Dior est un hommage à la sœur du fondateur de la maison, Catherine Dior, fleuriste et résistante française de la Seconde Guerre mondiale qui a reçu le Ordre national de la Légion d’honneur. Entrée de Vasconcelos à la Biennale de Venise 2005 La mariée, un lustre baroque composé de 25 000 tampons, a attiré son attention internationale.
Les looks de la collection Automne 2023 se détachent devant les globules ornementales pendantes de l’installation, ressemblant à des amygdales. Avec l’aimable autorisation de Dior.
L’artiste a trouvé en Chiuri une véritable alliée qui a fait des ouvertures féministes explicites dans toutes ses collections depuis qu’elle est devenue la première femme directrice artistique de Dior en 2018. L’un des principes clés de son mandat a été de collaborer avec des femmes artistes et de leur permettre de réaliser leurs projets respectifs. visions.
Le Dior Walkyrie n’est qu’un moment fort pour Vasconcelos cette année. En avril, elle fera une exposition personnelle au Beijing’s Tang Art Contemporain suivi d’elle Arbre de la vie installation in Paris’s Sainte-Chapelle de Vincennes. Her gargantuan Gâteau de mariage se lèvera au Waddesdon Manor, en Angleterre, en juin, puis sa prochaine exposition solo débutera en octobre à Galeries des Offices à Florence, Italie. Elle a pris un moment pour nous parler de Dior et nous expliquer son ambiance.
L’artiste Joana Vasconcelos. Photo : Arlindo Camacho.
Votre travail mêle des disciplines qui se recoupent avec la mode (couture, tricot, travail du textile). Suivez-vous la mode et influence-t-elle votre travail ?
La mode est une partie très importante de ma vie. En fait, j’ai commencé à montrer mon travail à Lisbon’s Mai manœuvres en 1994, un défilé pour jeunes créateurs, à l’esprit très à contre-courant, avant-gardiste et interventionniste. À l’époque, j’ai produit une série de pièces sculpturales portables en polystyrène appelées tunis. Une sorte de couvre-chef coloré, organique et bulbeux, ils représentaient un croisement entre la joaillerie – que j’ai étudiée – et la sculpture.
Aujourd’hui, une grande partie de mon travail est liée au monde du textile et il est donc naturel que des affinités évidentes avec la mode se manifestent. L’élément textile est ici un fil conducteur, et joue un rôle très important, aux côtés de l’artisanat également associé aux maisons de couture. En effet, je remets en cause la définition masculine des matières nobles dans l’art. Pour moi, les textiles sont aussi nobles que le fer, la pierre ou le bois – peut-être même plus.
Outre les œuvres d’art d’un autre monde, l’ensemble comprenait également de fabuleux sièges personnalisés. Photo : Adrien Dirand.
Ce qui m’a vraiment marqué dans la parure Dior, c’est cette dichotomie entre fait main/ornement et bio. J’ai eu l’impression que cette structure imitait une forme de vie. C’était comme si un défilé de mode se déroulait dans un corps.
C’est intéressant que vous l’ayez vu de cette façon. Beaucoup de gens ont demandé si Valkyrie Miss Dior représentaient une plante, un animal ou une partie de l’anatomie humaine, mais tous y voyaient un organisme vivant. Je ne l’ai jamais vraiment conçue comme une installation statique, ce qui m’a vraiment intéressé dès le début, c’est l’interaction entre l’installation, les modèles et le public, le tout se réunissant comme un corps en mouvement, une chorégraphie sculpturale presque.
Le grand final Dior à travers le paysage extraterrestre. Photo : Adrien Dirand.
Le défilé de mode a ajouté une facette à votre art, cette expérience de mode performative tourbillonnante. Parlez-moi de cette expérience de première main ?
Ce n’était pas la première fois que j’employais la danse pour une œuvre d’art. Je l’ai fait l’année dernière avec Valkyrie Marthe à lille3000, présenté avec une chorégraphie créée à dessein. Cela découle de ma ferme conviction que l’art doit être interactif, invitant le public et/ou d’autres artistes à se joindre au processus, à le toucher, à le ressentir et à créer un dialogue avec le mouvement, la musique ou d’autres expressions artistiques de manière performative.
L’ensemble rehaussait la collection car il la contrastait aussi beaucoup. Interstellaire contre terre-à-terre. Comment était-ce de travailler avec Mme Chiuri ? Vos conceptions se sont-elles informées?
Non, il s’agissait de processus complètement différents. Maria Grazia est venue dans mon studio à Lisbonne l’été dernier et nous avons eu un merveilleux échange d’idées. Maria Grazia est une inspiration majeure non seulement pour son positionnement féministe mais aussi pour sa valorisation de l’artisanat, deux causes qui me tiennent également à cœur. Alors, quand l’invitation est venue, je lui ai montré mon Walkyries œuvre et a suggéré que nous devions avant tout rendre hommage à une femme. Puis j’ai eu carte blanche pour créer comme je l’entendais.
On m’a envoyé 20 tissus de la collection et j’ai commencé à créer la Valkyrie à partir de là. Ils étaient tous très floraux et fluides, les couleurs allant du rouge, bleu, vert, orange au jaune. J’ai décidé de choisir une couleur, une texture et une identité différente pour chaque branche de l’oeuvre. Pour rehausser les couleurs des tissus, j’ai ajouté un peu d’éclat à travers des sequins et des broderies.
Joana Vasconcelos, Coeur Indépendant (2016). Photo: Luis Vasconcelos
Le crochet est une technique également très présente dans la haute couture, accentuant le concept du contemporain revisitant le passé, faisant ressurgir des souvenirs présents en chacun de nous et les transportant dans le futur. C’était un dialogue avec une liberté absolue, une excellente façon de collaborer, créant un pont entre la mode et les arts visuels.
Joana Vasconcelos, Valkyrie doréeet (2012) à Versailles. Photo: Luis Vasconcelos
Il semblait y avoir un Magicien d’Oz révélation dramatique, lorsque cette vague constellation en noir et blanc d’avant-spectacle s’est transformée en cet organisme multicolore. Vous avez déjà réalisé des projets à grande échelle, mais cela semble avoir été une méga production très hollywoodienne. Comment était-ce de travailler avec Dior là-dessus ?
C’était incroyable. Ils sont très professionnels et dans l’ensemble, c’était une approche très respectueuse, où le processus créatif est honoré à chaque étape du processus. L’énergie créée tout au long des différentes étapes a vraiment brillé dans le spectacle, car tout et tout le monde se sont réunis.
Je suis très fier de cette pièce. C’est le témoignage d’une collaboration incroyable, des grandes choses qui peuvent se produire lorsque les gens se réunissent et unissent leurs efforts pour créer quelque chose de plus grand que la somme de leurs parties.
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