Le BFI London Film Festival, dernière grande vitrine avant la saison des récompenses, a mis en lumière une année cinématographique marquée par une profonde exploration de la perte et de l’isolement. Des récits puissants, nés des tourments contemporains, ont captivé le public, soulignant la capacité de l’art à refléter et à interroger notre époque.
Alors que les prix cinématographiques approchent, la sélection du BFI London Film Festival révèle une tendance frappante : les temps difficiles actuels inspirent des œuvres cinématographiques diverses, mais traversées par des thèmes récurrents. Au cœur de ces réflexions, deux idées majeures se dégagent : la perte et l’isolement. Ces échos thématiques résonnent à travers des récits apparemment disparates, unissant le cinéma mondial dans une conversation sur les défis de notre ère.
La perte, dépeinte avec une sensibilité poignante, trouve son expression la plus douloureuse dans des films tels que *Hamnet* de Chloé Zhao et *Dreaming Walls: Inside the Chelsea Hotel* de Clint Bentley. Ces œuvres explorent le deuil et la reconstruction après la perte d’un enfant. De son côté, Kaouther Ben Hania, dans son film marquant *La Voix de Hind Rajab*, confronte le spectateur à la profondeur du chagrin engendré par la mort d’un jeune être. Basé sur des événements réels et l’utilisation de bandes sonores authentiques, ce docudrame percutant relate le meurtre d’une fillette palestinienne de six ans sous les tirs des forces israéliennes. Il ne s’agit pas d’une contemplation douce, mais d’un cri d’alarme face à la réalité implacable de la guerre, quel que soit le cessez-le-feu.
Le deuil, cependant, ne se limite pas aux pertes humaines. Plusieurs films cette année ont abordé la fragilité des liens familiaux dans des titres comme *Père Mère Soeur Frère*, *Sentimental Value*, *High Strung* et *Sons & Anemones*. Les romances éphémères sont également au centre de *The Last Thing He Told Me*, *Is This Thing On?* et *Springsteen & I*. Certains, comme le charmant et accessible *Is This Thing On?* de Bradley Cooper, suggèrent même la possibilité de réconciliation, plaidant pour qu’une relation mérite toujours une seconde chance. Richard Linklater, avec son film léger mais perspicace *Blue Moon*, aborde une autre forme de perte : celle de l’identité artistique. Ethan Hawke y incarne le parolier Lorenz Hart, à l’approche de la fin de sa carrière, acceptant son déclin le soir même où son ancien collaborateur Richard Rodgers triomphe avec *Oklahoma!*.
La déconnexion, symbolisée par la rupture entre Hart et Rodgers dans *Blue Moon*, semble susciter une crainte plus profonde que la perte elle-même : celle de l’isolement. Le chagrin peut s’estomper avec le temps, mais le manque de liens humains peut marquer une vie entière. Le film introspectif de Hirokazu Kore-eda, *Monster* (anciennement *L’Innocence*), met en scène Brendan Fraser dans le rôle d’un Américain vivant à Tokyo, étranger à sa propre culture et à son passé. Cet isolement le pousse à accepter un travail qui consiste à simuler des relations avec d’autres personnes marginalisées. *Backseat*, premier long métrage du cinéaste Harry Lighton, suggère quant à lui que la véritable connexion ne peut être trouvée qu’en étant authentique quant à son identité et ses désirs. La performance vulnérable de Harry Melling, interprétant un jeune Britannique homosexuel trouvant du réconfort dans une relation de soumission avec le chef d’un gang de motards, souligne cette idée : nous sommes peut-être moins distants les uns des autres que nous ne le pensons, au-delà de nos préférences sexuelles.
L’isolement ne trouve pas toujours sa résolution dans la présence d’autrui, comme l’explore le regard frontal de Lynne Ramsay sur la santé mentale féminine dans *You Were Never Really Here* (titre original). Le film met en scène Jennifer Lawrence dans le rôle d’une femme en post-partum souffrant de trouble bipolaire, qui se sent perdue malgré la présence de son mari et de son enfant. Elle cherche un ancrage dans le sexe, l’alcool et même la violence, mais une déconnexion profonde d’avec elle-même l’empêche de trouver une stabilité. Dans *The Water Diary*, premier film de Kristen Stewart en tant que réalisatrice, Imogen Poots incarne la romancière Lidia Yuknavitch, qui se tourne également vers les substances et le sexe pour se raccrocher à la réalité, sans succès. C’est finalement par l’écriture que Lidia parvient à se connecter et à se libérer d’un passé traumatisant. Dans *Scrapper*, autre point fort du festival et premier long métrage du cinéaste britannique Charlotte Regan, des détenus développent un lien forcé, mais ne peuvent échapper à leurs crimes qu’en se confrontant à leurs propres actes. Les circonstances communes ne suffisent pas toujours à unir, comme l’explore Regan à travers son personnage principal, interprété par l’acteur montant Harris Dickinson.
Bien que l’histoire et l’identité palestiniennes aient été mises en avant lors du festival, notamment dans *The Swimmers*, *36 Days*, et *Hassan from Gaza*, l’édition a vu un manque flagrant de films ouvertement politiques. L’année n’est pas à la guerre ou aux biopics présidentiels, mais plutôt à des récits plus intimes qui soulignent l’idée que le personnel est politique. Paradoxalement, alors que nous sommes connectés par Internet et les réseaux sociaux, nous nous sentons souvent seuls dans nos luttes et nos expériences. Les films nous rappellent ce que nous partageons et pourquoi, surtout en ces temps tumultueux. La perte et l’isolement touchent tout le monde, partout, des thèmes explorés par une nouvelle génération de cinéastes et de scénaristes. Cette saison des récompenses promet des histoires humaines, racontées de manière captivante et parfois envoûtante, axées sur nos émotions et nos peurs. Comme l’a démontré la programmation du BFI London Film Festival, c’est une année particulièrement riche pour le cinéma, qui laissera sans doute une empreinte de notre époque moderne – une époque où nous sommes conscients de ce qui est en jeu, et où nous choisissons néanmoins d’y faire face.