L’artiste américain Sterling Ruby explore, dans sa dernière exposition new-yorkaise, la fragilité de la vie et l’inéluctable cycle de la transformation, confrontant la beauté et la décomposition à travers une installation centrée sur le monde végétal.
Intitulée « Atropa », en référence à la déesse grecque qui coupe le fil de la vie, l’exposition présentée à la galerie Sprüth Magers met en scène un ensemble d’œuvres nouvelles qui témoignent de l’intérêt constant de l’artiste pour la métamorphose, la vulnérabilité et la dissolution. Ruby s’intéresse aux paradoxes inhérents à la vie végétale : sa délicatesse alliée à sa résistance, son potentiel à la fois bénéfique et toxique, et son existence même à la croisée de la création et de la destruction.
« L’idée d’entropie est un bon moyen de décrire ce que j’essaie de faire avec l’œuvre », a déclaré Ruby à Observer peu après le vernissage. « Je continue d’essayer de construire cet espace intermédiaire : je veux que l’art représente cette tension entre l’expression et la répression, la loi et l’anarchie, la réalité et le fantasme, et bien sûr l’industriel et le naturel. »
Cette exploration se manifeste notamment dans des œuvres sur papier, réalisées à l’aquarelle, au graphite et à la plume, qui représentent la flore dans divers états d’émergence et de déliquescence. Ces créations, à la fois brutes et délicates, évoquent un échange direct entre l’esprit de l’artiste, sa main et la matière, nourri par la mémoire, l’imagination et l’expérience.
L’origine de ces œuvres remonte à un jardin que Ruby a commencé à cultiver il y a plusieurs années au sein de son atelier, situé à Vernon, une zone industrielle à la périphérie de Los Angeles. Cet espace de vie botanique, improbable au cœur d’un environnement manufacturier et pollué, a révélé la possibilité fragile d’une coexistence entre nature et construction. « Au fur et à mesure que les plantes grandissaient, dépérissaient et repoussaient, c’est devenu un sujet d’observation constant pendant mon travail », se souvient l’artiste. « Cela m’a rappelé l’histoire du symbolisme dans les natures mortes et du memento mori : souviens-toi que tu dois mourir… »
Au fil du temps, l’atelier s’est transformé en un véritable écosystème, attirant abeilles, colibris, pinsons, papillons, coyotes et faucons. « J’ai l’impression que le studio est un lieu de transformation, non seulement pour moi en tant qu’artiste, mais pour tous ces autres êtres vivants. C’est inspirant de le considérer comme un habitat », explique Ruby.
Dans ses collages, l’artiste incorpore souvent des photographies et des fleurs séchées, qu’il numérise ou transforme en cyanotypes, collaborant ainsi directement avec les processus naturels. L’œuvre « SCISSION » (2025) illustre cette démarche, avec ses collages monochromes de la nature qui évoquent le cycle incessant de transformation, une métamorphose continue vers de nouveaux états.
Les sculptures en bronze, quant à elles, représentent peut-être l’expression la plus poétique de cette recherche. Installées dans l’intimité d’une maison de ville, elles apparaissent moins comme des objets monumentaux que comme des vestiges spectraux, des reliques fantomatiques qui évoquent la mortalité et l’impermanence. Chaque sculpture est issue d’une fleur vivante cultivée dans le jardin de l’atelier, coupée, séchée et coulée directement dans le bronze selon un procédé qui confine à l’alchimie. Le processus d’épuisement transforme la matière organique en « un fantôme de bronze de l’original », selon les termes de l’artiste. « Les fleurs de bronze me semblent les plus délicates et les plus crues ; c’est comme le processus de crémation. »
Si les premières œuvres de Ruby abordaient des thèmes de critique institutionnelle et sociétale, confrontant la violence structurelle et l’aliénation, « Atropa » semble plus introspective. Il s’agit d’une méditation sur la condition humaine, limitée dans le temps et ancrée dans des cycles de gestation, de déclin et de transformation.
Après plus de 20 ans de pratique artistique, Ruby constate un changement dans sa relation à son travail. « Tout a tendance à être plus élégiaque maintenant », confie-t-il, soulignant que sa démarche est devenue plus calme et plus introspective. « La notion de vérité, qu’elle soit constitutionnelle, scientifique ou fondée sur des données, a cessé d’être un marqueur stable. Dans le passé, j’avais besoin de projeter la laideur de l’Amérique sur mon travail pour dénoncer l’oppression. Mais maintenant, je ne sais pas comment refléter la détresse quotidienne et la haine permanente qui sont si indubitables. » Il cherche désormais à créer une œuvre qui réponde au monde sans être didactique, privilégiant la métaphore, la sensation et la forme.